Selección de obras realizadas en el período de 2012-2021 que por forma o contenido están determinadas por las circunstancias de criar a un niño pequeño, construir una casa taller y comenzar a explorar mi obra personal.
Mujeres desnudas, voluptuosas, fuera de los estereotipos de belleza. Situaciones cotidianas, formas de trabajo lúdicas e inmediatas.
La cena. Acrílicos sobre tabla. 80 x 60 cm. 2017
Nido. Acrílico sobre tabla. 122 x 81 cm. 2018
Familia con gato. Tinta china sobre papel. 70 x 100 cm. 2019
Madre. Acrílico sobre lienzo. 120 x 120 cm. 2015
Mujer I. Acrílicos sobre tabla. 122 x 122 cm. 2013
El que corre. Acrílico sobre lienzo. 2021
Donde mostraré mi obra.
Un espacio de creación y coworking. Con grandes, ventanales, con una línea curatorial cuidada. Espacio NUA
Descripción de las necesidades técnicas
Necesito paredes blancas, luces y cartelas. Durará un mes.
ESPEJO. Documentación gráfica de mi proyecto artístico en su estado actual de desarrollo.
Taller útero.
Eulogia Merle.
Hola compañerxs.
Resumidamente mi intención es hacer una obra capitalizando la experiencia de criar en solitario, armar un taller y desarrollar mi obra personal, todo al mismo tiempo y como un mismo gesto estético.
El siguiente documento pdf recoge el redactado del Proyecto de Hibridación. Esta es la segunda versión, el resultado de algunas correcciones recomendadas por la profesora Neus Miró. Por ello lo publicado anteriormente en este blog Folio difiere ligeramente de lo que hoy os presento.
Espero que os gusten los 5 collages digitales que he diseñado y que corresponden a 5 variedades de flores que se han visto afectadas por el cambio climático en su aspecto y vitalidad y en sus genes a posteriori.
Por mi parte, recibiré vuestros puntos de vista con respeto y esperando sinceridad como compañeros de carrera que sois porque sólo así éstos podrán ser de alguna utilidad entre nosotros/as.
El proyecto está pendiente de determinar el lugar y forma de exposición, tema del que aceptaré todas la sugerencias que se planteen.
Dora García, tiene un método de trabajo a mi consideración mucho más controlado y meticuloso que Mireia Sallarés. Eso no quiere decir que sea mejor, ni peor, simplemente es como a ella le funciona. Ella parte de una hipótesis «¿Qué pasaría si…?» Y a partir de aquí empieza su proceso de investigación. Su investigación es muy exhaustiva, a partir de libros al principio y mediante conversaciones y conferencias después. Todo acaba resultando en el mismo formato después: libro y exposición. Para ella es muy importante el uso de los formatos que sean conocidos por el espectador, que no necesiten instrucciones para su comprensión.
Considero que, en este caso, el camino de Dora García es mucha más lineal, pues ella establece unos puntos de partida muy claros y se enfoca en ellos y la investigación a partir de ellos. Esto no quiere decir que más tarde las hipótesis no puedan ir cambiando y moldeándose, pero como parte de la idea de que no hay un final preestablecido, estas bifurcaciones siempre se mantienen dentro del camino, ya que para ella el proceso es más importante que el resultado.
Al no partir hacia unas expectativas concretas, Dora considera que no existe el error en su trabajo, a partir de los errores crea sus aciertos. Estos aciertos los denomina como los momentos «Eureka», en los que se basa para finalmente dar forma a sus creaciones. En todo caso, podría considerar que las cosas a veces no resultan como deberían y la llevan por otros caminos, pero en ningún caso considera que eso sean errores, todo lo contrario, es la base de su camino. Cree que la experimentación y el error son la que provocan la adaptación, adaptación de esos «errores» para que se conviertan en nuevos aciertos.
Mireia Sallarés:
«Primero hago y luego entiendo qué he hecho«, tal y como dice Mireia Sallarés, esta sería la frase que para mí defina con más exactitud su método de trabajo. Ella diferencia entre dos etapas: la primera más orgánica y vital y la segunda que se basa en editar lo que tiene como material. Es en esta segunda etapa donde se da cuenta de qué está haciendo y en las dos etapas va acompañada de la investigación a través de lecturas, conversaciones, etc.
Sus caminos jamás son lineales pues su trabajo tiene que ver con las relaciones, es poco ordenado en un inicio. Esto le permite crear bifurcaciones y además, en muchas ocasiones estas bifurcaciones acaban dejando atrás el proyecto inicial para embarcarse en un nuevo descubrimiento.
Es ahí donde el error pasa a formar parte de su metodología, porque al no tener un camino lineal y marcado toda aquella posibilidad que se abre ante ella y los errores que puedan surgir en el proceso siempre dan pie a nuevas posibilidades quizás igual o más interesantes que las anteriores. Parte de una hipótesis de dónde después surgen muchos interrogantes que no se planteaban al principio, por eso el error es un complemento de el proceso.
Para acabar con la reflexión sobre esta artista, me gustaría hacerlo con una frase suya que me llamó mucho la atención: “El arte es el que husmea los rincones”. Esta afirmación se me hace totalmente verdadera en mi propia persona, pues creo que el método de trabajar de Mireia Sallarés y sus apreciaciones sobre el arte, se asemejan mucho al método que estoy siguiendo y me alienta a seguir por ese camino, incluso cogiendo recursos de su método de trabajo.
Roc Parés:
Y, por último, hablaré del artista Roc Parés: Él, cree en la adisciplinariedad de la investigación artística, es decir, que el arte se puede adentrar en cualquier disciplina, según lo interpreto. De hecho, para este artista la investigación es primordial en el proceso artístico, pues esta investigación le sirve para para organizar la pre-producción de sus proyectos. Además, siempre se mueve en el mundo académico humanístico-técnico, fuera del mundo de las Bellas Artes.
La investigación artística debe ser una estructura que escucha a ACTS (Arte – Ciencia – Tecnología – Sociedad), por eso se mueve por el mundo académico y técnico. Como comentábamos, su producción se basa en investigar y es aquí donde encuentra conflictos entre la comunidad artística y la científica, que para él deben estar unidas y escucharse mutuamente pues las dos pueden aprender las unas de las otras, pues hay datos que solamente podemos encontrar en un estudio científico, pero si se hace una investigación artística sobre este tema podemos encontrar matices que puedan ser relevantes a la investigación y se hayan pasado por alto. Roc, explica en la entrevista, las dificultades a las que se ve sometida la investigación artística en España y cómo de alguna forma, a veces, se encuentra incluso desplazada.
Para Roc Parés, los errores tienen valor generativo, algo en común con las anteriores artistas. Es cierto que en los procesos artísticos y las investigaciones, nunca hay nada que sea totalmente inservible, pues siempre puedes obtener nuevas ideas o caminos de los errores, de ahí que Parés crea que los errores generan. El riesgo que puede correr un artista es el de ponerse a él mismo en el punto de mira, poner su trabajo en cuestión y su propia integridad en algunos casos. Es decir, para el artista el error no es un riesgo, el riesgo está en deconstruirse a uno mismo.
Mi semilla parte del arte de Frida Kahlo y cómo el dolor se convierte en su obra. De ahí, empieza una investigación de cómo tratan el dolor diferentes artistas y qué teorías existen.
Partiendo de Frida, para mi primera constelación hice un collage con los elementos de su obra que me parecen representativos de dolor:
A partir de aquí empezó la búsqueda de referentes artísticos más allá de Frida y cómo éstos trataban el dolor. No quise ir a buscar artistas muy conocidos pues ya tenía a esta gran artista como referente, así que investigué un poco más allá y descubrí obras de artistas poco conocidos que me parecían joyas.
Uno de ellos es David Nebreda, diagnosticado con esquizofrenia paranoide desde los diecinueve años. Su enfermedad provoca la ruptura de su personalidad y él continuamente la busca a través de su doble fotográfico, un reflejo de sí mismo y a la vez alguien desconocido.
¿Cómo materializa todo esto? A través de la carne, la piel y la sangre busca su cuerpo, a través de los excrementos encuentra su máxima expresión y en la experimentación del dolor, dónde a veces hasta sobre pasa los límites del espectador y genera mucha controversia, encuentra su renacimiento. Su obra se basa en el registro de estas experimentaciones a modo documental, incluyendo fotografías, dibujos y textos.
Investigando más artistas que trabajan el dolor me encontré dos en concreto que hablan del tema que a mí me interesa, mi semilla: la migraña.
Primero, hablemos de Francisco Lina Manjarrez. Era un cirujano que a través de una experiencia traumática donde presenció la muerte de un amigo en sus propias manos (en una operación quirúrgica), desarrolló cefalea tensional y migraña. Él intentó seguir con su vida pero ésta le cerraba el paso, hasta absorberlo por completo y donde el único camino que pudo encontrar fue plasmar ese dolor en sus pinturas.
Otro de mis referentes es la pintura de Melissa Hentges Keith Migraine (2007), en la que la artista contemporánea representa como son sus ataques de migraña en una pintura. Es en la que se basa una de las constelaciones, porque la estética que utiliza me parece muy acorde al dolor que proviene de las migrañas.
Después de este viaje a través del mundo y dolor de los demás artistas y tras la lectura de los recursos, me dispuse a hacer la segunda y tercera constelación, ya no tan predispuesta a hacer un esquema formal, como había pensado hacerlo en un inicio, sino a experimentar diferentes ideas a través del dibujo.
El dolor, en resumidas cuentas, he descubierto después del proceso de investigación, que para mí no es suficiente expresarlo solamente a través de un medio. Si bien, ya contaba con una idea preestablecida de hacer varias pinturas sobre lo que representa para mí el dolor, cuando extraje esa semilla, ahora he cambiado totalmente de parecer. Sí que me gustaría que las pinturas formasen parte del proyecto, pero opto más por un conjunto multi-técnica que abarque de forma sinestésica incluso, todos los sentidos. De ahí, que para concluir mi constelación lo haga con una clave fundamental de lo que será mi trabajo, que es el trabajo con luces. A continuación, unas fotografías que han servido de prueba y ensayo y forman parte de mi constelación.
